Эстетическое движение(Arts and Crafts). Эстетическое движение в дизайне


Эстетическое движение - Интерьерные стили - Дизайн и архитектура растут здесь

В Викторианскую эпоху раздавались голоса, направленные против эклектизма и вычурности господствующих стилей. Оппозиция объединилась в несколько более или менее организованное движение, которое теперь считают началом течения «Искусства и ремесла» или, как его иногда называют, эстетического движения. Это движение зародились в Англии и достигло расцвета во второй половине XIX в. Со временем из этого движения в США развился ремесленный стиль. Его влияние можно проследить в стилях, возникших в Германии и Австрии в более позднее время, которые непосредственно связаны с модернизмом XX в. 

Британия: «Искусства и ремесла»

Рёскин и истоки движения «Искусства и ремесла»

Идеи писателя, теоретика и искусствоведа Джона Рёскина оказали значительное влияние на направление «Искусства и ремесла». Идеи неоготики и движения «Искусства и ремесла» во многом перекликаются, но если представители неоготики просто пропагандировали возврат к готической традиции, то последователи движения «Искусства и ремесла» опирались на философию Рёскина и его учеников. Рёскин восхищался высочайшим мастерством и изобретательностью строителей готических соборов.

В своей книге «Семь светочей архитектуры» (1849) Рёскин заявляет: «Пока в архитектуре не возобладает здравый смысл, надеяться не на что». «Семь светочей», о которых идет речь, - это «жертвенность», «истина», «сила», «красота», «жизнь», «память» и «покорность», свидетельствующие об идеализме Рёскина. Именно Рёскин резко осуждал промышленный дизайн, который оказывал сильное влияние на движение «Искусства и ремесла». Уверенность, что вещи, изготовленные машинным способом, непременно должны быть безвкусными, привела к тому, что стали раздаваться призывы вернуться к ручному производству, как способу изменить ситуацию.

Стремление подчеркнуть функцию, свойства материала, технику и ручное производство - центральные идеи движения. Чрезмерные и уродливые украшения должны быть изгнаны, а декоративные элементы, создаваемые опытными мастерами, наоборот, только приветствуются. Поскольку мастера, обладающие такими навыками и вкусом, каких потребовала эта доктрина, вряд ли существовали, последователи движения «Искусства и ремесла» либо сами выступали в роли мастеров, либо создавали проекты на бумаге.

Моррис

Самым известным и влиятельным представителем движения «Искусства и ремесла» был Уильям Моррис (1834-1896). Моррис получил образование в Оксфорде, где он познакомился с художником-прерафаэлитом Эдвардом Берн-Джонсом (1833-1898), который пытался возродить «наивную религиозность» Средневековья и Раннего Ренессанса. Сочинения Рёскина оказали на них большое влияние, в том числе идея о тесной связи искусства и ремесла. Некоторое время Моррис работал в лондонской конторе Джорджа Эдмунда Стрита (1824-1881), архитектора, работавшего в стиле неоготики. Сам Моррис не был архитектором. После женитьбы он обратился к своему другу Филиппу Уэббу (1831-1915), который раньше работал со Стритом, а затем открыл свое архитектурное бюро, с просьбой разработать проект дома в Бекслихите, на окраине Лондона.

Спроектированный Уэббом Рэдхаус («Красный дом») (1859-1860) демонстрирует идеи, которые сформулировал Моррис. Стены из красного кирпича и красная черепичная крыша не имеют никаких украшений, тогда как фасад, расположение окон и дверей отражают план дома. Стрельчатая арка над входом сложена из кирпича; трубы не декоративные, а настоящие, связанные с действующими каминами; расположение больших и маленьких окон соответствует планировке; из колодца на лужайке можно набрать воды. План разработан в соответствии с соображениями функциональности, а не красоты. Строгость классицизма и живописность готики отвергаются в пользу функциональности.

«Красный дом» может рассматриваться как шаг к современному пониманию дизайна, хотя его грубоватая естественность совершенно не связана с технологическими новинками, использованными в Хрустальном дворце 1851 г. Рескин ненавидел Хрустальный дворец, называя его «теплицей для огурцов» и видя в выставленных внутри экспонатах свидетельство ужасающе низкого художественного уровня. Моррис, осуждая представленные на выставке фабричные товары, проявлял такую же воинственность. К 1861 г. он основал предприятие «Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко.» по производству гобеленов, обоев, мебели и витражей. Сам Моррис спроектировал только несколько трехмерных объектов - отдельные предметы мебели для Рэдхауса и простой деревянный стул с плетеным сидением из тростника (1862). Но его имя связано с раскладным креслом, изготовленным по его заказу (подобные кресла получили название «кресла Морриса»).

Интересы Морриса постоянно менялись от поэзии до увлечения идеями социализма с его учением о том, что фабричное производство убивает творческое отношение к труду. Он сосредоточился на дизайне текстиля, обоев и полиграфической продукции. Предлагаемые им орнаменты тканей всегда содержали природные мотивы, демонстрируя его любовь к природе. Внешне похожие на фабричные набивные ткани викторианской эпохи, проекты Морриса отличаются простотой, изяществом и естественностью. В 1875 г. Моррис стал единственным владельцем фирмы «Моррис и Ко.», которая воплотила в жизнь многие проекты, как самого Морриса, так и его последователей. В мастерских предприятия разрабатывались орнаменты для английских ситцев и ковров ручной работы, а впоследствии и эскизы ковров для Уилтонской и Аксминстерской мануфактур. Предприятие активно занималось дизайном интерьеров, осуществляя отделку комнат в духе движения «Искусства и ремесла». Зеленая столовая (1866), сейчас восстановленная в Музее Виктории и Альберта в Лондоне, является примером творчества Морриса в области дизайна интерьеров; основным проектировщиком был Филипп Уэбб, художники Берн-Джонс и Чарльз Фэйрфакс-Мюррей расписывали стенные панели. Обои, отделка потолка, росписи и мебель гармонично сочетаются благодаря усилиям Морриса. Комната оформлена в яркой цветовой гамме, основным цветом является зеленый.

Уэбб

Филипп Уэбб поддерживал тесную связь с Моррисом на протяжении всей своей карьеры, придумывая мебель для интерьеров, оформлением которых тот занимался, а также для собственных архитектурных проектов. Он создал массивный платяной шкаф с фронтоном, разрисованным Берн-Джонсом, для «Красного дома» Морриса. Уэбб проектировал дома, которые контрастируют с работами Норманна Шоу в стиле королевы Анны. Хотя некоторые из домов Уэбба были достаточно большими, архитектор стремился к скромности, присущей английским образцам, сказывалось влияние движения «Искусства и ремесла», участником которого он являлся. Созданные им интерьеры кажутся необыкновенно простыми, по сравнению с викторианскими, но они прекрасно иллюстрируют идеи Морриса в области дизайна. Дом «Клаудс» (1881-1891), Уилтшир, спроектированный Уэббом, представляет собой большой особняк. Его интерьеры, в том числе Белая гостиная с белыми стенами и ковром, узор для которого придумал Моррис, и библиотека с простым камином, кажутся удивительно современными. 

Другой проект Уэбба Стэнден в Суррее (1891-1894), тоже большой, но состоящий из простых кирпичных построек. В большинстве комнат стены отделаны панелями до самого потолка; некоторые комнаты оклеены обоями с орнаментами Морриса. Стенные панели в основном выкрашены белой краской, хотя в столовой использованы сине-зеленые тона.

Другие английские дизайнеры

Во второй половине XIX в. целая плеяда английских дизайнеров влилась в основанное Моррисом движение «Искусства и ремесла» или перекликающееся с ним эстетическое движение, источником вдохновения для которых были японские гравюры и керамика. Кристофер Дрессер (1834-1904) начинал с изучения растений, которые он рассматривал как основу для «прикладного искусства». В 1860-х гг. Дрессер заинтересовался японским искусством и дизайном и со временем выработал свой собственный стиль; он считается одним из пионеров современного дизайна. Он проектировал изделия из керамики, фарфора, стекла, серебра, металла, текстиль, обои. Хотя у него не было заказов для производства, он выступал в защиту простоты и «честности», указывая на связь между познаниями в ботанике и совершенным дизайном. Многие его проекты, особенно проекты серебряных и стеклянных изделий, очень современны.

Эдвард У. Годвин (1833-1886) особое внимание уделял дизайну мебели, основываясь на японских традициях. Принадлежавшая ему фирма «Арт Мебель» (основанная в 1860-х гг.) выпускала мебель в «англо-японском» стиле, которая пользовалась популярностью среди немногочисленной элиты, обладавшей взыскательным вкусом. Все его проекты отличаются легкостью и утонченностью, а украшения очень простые. В 1877 г. был опубликован каталог с проектами Годвина. Он содержал проекты под такими заголовками, как «Гостиная в англо-японском стиле» или «Студенческая мебель». На других иллюстрациях были изображены целые комнаты, оформленные в стиле Годвина. Его поздние работы в основном имели своеобразный характер, вещи изготавливались вручную для клиентов, в число которых входили такие представители эстетического движения, как Оскар Уайльд и Джеймс Макнейл Уистлер (1834-1903).

В 1887-1888 гг. Годвин работал над проектом Белого дома на Тайт-стрит в Лондоне для Уистлера. Хотя последний был известен главным образом как художник, он участвовал в оформлении интерьеров, выполняя различные работы - от украшения рам и стенных панелей до отделки комнаты, получившей название Павлинья комната, которая была восстановлена в Художественной галерее Фрира в Вашингтоне, округ Колумбия. Комната была спроектирована в 1867 г. Томасом Джекилом (1827-1881), дизайнером, который наравне с Годвином и Уистлером использовал японские мотивы. Павлинья комната служила столовой, она была обставлена мебелью по проектам Годвина, стены были затянуты кожей, вдоль них тянулись полки, на которых был выставлен сине-белый японский фарфор. Уистлер превратил интерьер в «Гармонию в сине-золотых тонах», расписав комнату - включая двери, стены и ставни - орнаментами, основными элементами которых были павлиньи перья - излюбленный мотив эстетического движения. Это было увлечение экзотикой, которое стало поводом для сатирических выпадов У.Ш. Джилберта в оперетте «Терпение», авторами которой были Джилберт и Салливан. Интересно отметить, что сам Джилберт жил в доме, построенном Норманом Шоу, интерьеры которого были оформлены в стиле, который высмеивался в «Терпении».

Чарльз Истлейк также оказывал значительное влияние на эстетическое движение своими публикациями, но его собственный стиль был скорее ближе к тяжеловесному викторианству чем к движению «Искусства и ремесла». Термин «художественная мебель» был придуман Истлейком для «правильного» дизайна, сторонником которого он являлся. Брюс Талберт (1838-1881) разрабатывал дизайн мебели и изделий из металла, который он называл готическим. Но, судя по опубликованным эскизам, этот дизайн скорее тяготел к движению «Искусства и ремесла». Архитектор Роберт У. Эдис (1839-1927) работал в стиле королевы Анны, но в своей книге «Убранство и мебель городских домов» (1881) он знакомит читателей с интерьерами, в которых помимо всего прочего присутствуют обои Морриса и мебель Годвина.

Эрнест Гимсон (1864-1919), с которым Моррис познакомился в 1886 г., занимался изготовлением мебели и изделий из металла. Простые формы напоминают средневековые образцы, но одновременно вызывают ассоциации с модернизмом. Он изготовил стулья для «Гильдии художников», которая одно время составляла костяк движения «Искусства и ремесла». Чарльз Р. Эшби (1863-1942) также был членом гильдии и ведущим дизайнером мебели, изделий из серебра и ювелирных украшений. В 1901 г. он способствовал переводу гильдии, к тому времени насчитывающей уже около 150 мастеров, в деревню Котсволд в Чипинг Кэмпдене, где она просуществовала до 1907 г. Макей Хью Бейли Скотт (1865-1945) проектировал мебель для гильдии и разрабатывал проекты интерьеров, которые публиковались в Германии и Соединенных Штатах в начале XX в. Его работы являются связующим звеном с движениями, получившими развитие в Европе в XX в., в том числе и с немецкими мастерскими.

С помощью целого ряда ухищрений дизайнерам «Искусства и ремесел» удавалось добиться того, что интерьеры казались воздушными, даже когда высота потолков была ниже, чем предусматривали стандарты викторианской эпохи. Стены нередко отделывались деревянными панелями высотой 1,8-2,0 м, фризы, как правило, были светлее стен. Часто использовались осветительные приборы в форме короба со стенками из матированного или цветного стекла с электрическими лампочками, недавно вошедшими в употребление.

Связи с модернизмом 

Войси

Чарльз Френсис Эксли Войси (1857-1941) сыграл важнейшую роль в переходе от дизайна викторианской эпохи к дизайну XX столетия. Он был архитектором, но в начале своей карьеры занимался дизайном обоев, текстилем и коврами. Войси вступил в «Гильдию художников» и постепенно начал проектировать мебель в простом ремесленном стиле, перекликающемся со стилем его архитектурных проектов. Войси спроектировал большой сельский дом «Броадлис» (1898) у озера Виндермере. Три полукруглых окна смотрят на водную гладь. Интерьеры, меблированные по его собственным проектам, отражают увлечение автора идеями ремесленного производства. Собственный дом Войси «Сад» (1900) в Хорливуде,  Хартфордшир, представляет собой постройку с остроконечной крышей, напоминающую традиционные английские сельские постройки. Интерьеры отличаются простотой и элегантностью. Хотя по духу они близки модернизму, в действительности Войси вовсе не был поклонником этого направления. Стены гостиной в доме «Сад» до середины затянуты фиолетовой тканью, выше окрашены в белый цвет. Деревянные части из натурального дуба, иногда покрыты белой краской. Стены спальни оклеены бумажными обоями, узор для которых придуман Войси. Разработанные им часы, серебряная посуда и изделия из металла очень оригинальны и пользуются большим успехом. Творчество Войси несет на себе отпечаток стиля Ар Нуво, идеи которого формировались в это время на континенте.

Макмурдо

Творчество Артура Хейгейта Макмурдо (1851-1942) имеет более тесные связи с Ар Нуво - его даже часто называют одним из создателей этого стиля. В самом начале своей карьеры Макмурдо сопровождал Рёскина во время его путешествия по Италии. В 1877 г. он сотрудничал с Моррисом, а в 1880 г. с Уистлером. Обложка изданной им книги «Городские церкви Рена» (1883) выполнена в довольно странной манере; это - ксилография с причудливо извивающимися листьями, цветами и надписями, выполненными в графическом стиле, типичном для Ар Нуво. В созданных им проектах мебели тоже присутствуют плавно изогнутые линии. Макмурдо основал «Гильдию века», целью которой было продвижение идей движения «Искусства и ремесла» путем публикации книг и производства различных предметов обстановки.

Макинтош

В Глазго, Шотландия, в течение короткого отрезка времени в стиле Ар Нуво работали несколько архитекторов во главе с Чарльзом Ренни Макинтошем (1868-1928). В основе творчества Макинтоша лежали идеи движения «Искусства и ремесла», но мастера привлекала отличавшая свобода Ар Нуво, он восхищался работами своих коллег с континента, особенно венских дизайнеров. Главной постройкой Макинтоша считается здание Школы искусств в Глазго (1896-1909), в которой разместились классы с огромными окнами, являющимися основным элементом фасада. Простые интерьеры с деревянными балками и каменными стенами заполнены необычной мебелью, осветительными приборами и металлическими предметами, выполненными с характерной для Ар Нуво изобретательностью. Общественность Глазго отнеслась к зданию без энтузиазма. Макинтош спроектировал несколько частных домов, таких как Хилл-хаус в Дунбартоншире, Шотландия (1902-1903), церковь и несколько кафе-кондитерских в Глазго для мисс Кранстон. Кафе отличались очень оригинальными интерьерами с настенными росписями, каминами, окнами, дверями с витражами и необычной мебелью. Для частных клиентов и для своей квартиры в Глазго Макинтош разработал мебель простых, геометрических очертаний, но с гиперболизированными пропорциями, невероятно высокими спинками стульев, выкрашенными в белый или черный цвет, и фиолетовыми, серебристыми или золотыми декоративными деталями. Декоративные росписи часто выполнялись женой Макинтоша Маргарет Макдональд (1865-1933), которая так же, как и ее сестра Фрэнсис (1874-1921), была активной участницей движения «Искусства и ремесла» и сопутствующих течений, существовавших в 1890-х гг. в Глазго.

Интересно, что движение «Искусства и ремесла», несмотря на попытки реформировать викторианский стиль, смогло повлиять лишь на незначительное число последователей и энтузиастов, которые могли себе позволить далеко недешевую «ремесленную» продукцию. Однако в своем неприятии стандартизации предметов интерьера, в подчеркивании авторской индивидуальности приверженцы «Искусств и ремесел» ориентировались на будущее. Связь движения с Ар Нуво с его отрицанием историзма делает его основоположником всех новейших стилей.

Соединенные Штаты Америки: ремесленное направление

Тесная связь Англии и Америки привела к проникновению движения «Искусства и ремесла» в Соединенные Штаты. Несмотря на то, что викторианский стиль после Гражданской войны продолжал доминировать в Америке, тем не менее возникло движение, предлагающее альтернативу общепринятым стилистическим нормам той эпохи.

Стикли и ройкрофтеры

Главной фигурой «ремесленного направления» был Густав Стикли (1858-1942), семье которого принадлежало несколько мебельных фабрик. Свою карьеру Стикли начинал с должности управляющего мебельным магазином, торгующим предметами обстановки в различных исторических стилях. Его заинтересовали сочинения Рёскина и Морриса, и в 1898 г. он отправляется в Англию, чтобы познакомиться с движением «Искусства и ремесла». Он сделал остановку в Париже, чтобы посетить галерею Бинга «L'Art Nouveau». По возвращении в Америку он занялся дизайном и производством простой мебели из дуба с кожаными подушками, которая собиралась из выполненных ремесленным способом деревянных и металлических деталей. Украшения сведены к минимуму или вообще отсутствуют. Такая мебель своей простотой напоминала незатейливую мебель, создаваемую для первых христианских миссий в Калифорнии, отсюда название «миссионерский» стиль, или стиль «золотого дуба», т.к. в процессе «морения» дуб приобретал желто-коричневый оттенок. Наиболее интересные образцы мебели Стикли были выпущены в течение короткого периода, когда с фирмой сотрудничал Харви Эллис (1842-1904). Его проекты по стилю напоминали работы Войси, а также работы более молодых английских и шотландских дизайнеров.

В 1901 г. Стикли начал издавать журнал «Ремесленник», который пропагандировал идеи движения «Искусства и ремесла» в области архитектуры и дизайна, и иллюстрированный журнал «Ремесленые дома». Журнал также содержал статьи, в которых поднимались острые проблемы, такие как права женщин, социальная защита детей и правосудие, а также материалы, посвященные художественной фотографии, поэзии, художественной литературе и другим темам, которые привлекали внимание Стикли и которые он хотел донести до публики. Войси написал для журнала статью о дизайне домов, проиллюстрировав ее своими проектами, в том числе проектом «Орхидеи». В «Ремесленнике» содержалась реклама товаров других фирм, работавших в ремесленном стиле. Со временем Стикли перебрался в Нью-Йорк, где располагались офисы и выставочные залы предприятий, работавших в ремесленном стиле.

Коммерческий успех начинаний Стикли вдохновлял многочисленных подражателей. Когда в начале XX в. викторианский стиль начал терять популярность, значение ремесленного движения начало возрастать. У фабрики Густава Стикли в Иствуде, Нью-Йорк, появился конкурент - мастерские «Онондага», Нью-Йорк, принадлежавшие его младшим братьям Леопольду и Джону Джорджу Стикли. Элберт Хаббард (1856-1915) основал «ремесленную» общину в Ист-Авроре, штат Нью-Йорк, назвав ее «Ройкрофт». Хаббард печатал книги и памфлеты об искусстве и литературе, оформленные в стиле Морриса. Ройкрофтеры также производили мебель в миссионерском стиле, таким образом община конкурировала с маетерскими Стикли, а ее вклад в формирование модерна был даже больше. Хотя ремесленный стиль утратил свое значение после Первой мировой войны, его влияние прослеживается вплоть до 1930-х гг. Идеи, связанные с ремесленным движением, породили «стиль бунгало», основой для которого послужили «вернакулярные» одноэтажные дома, получившие распространение в Калифорнии. Для таких домов характерны портик, выступающие свесы крыши, стены из дранки или штукатурки, и минимум декора.

Брэдли

Уилл Брэдли (1868-1962) был художником-дизайнером, который с энтузиазмом относился к ремесленному стилю, стилю бунгало и английской архитектуре в том же духе. По заказу популярного «Домашнего журнала для женщин» он разрабатывал проекты домов и интерьеров комнат. Они публиковались в виде красочных иллюстраций, демонстрирующих преимущества миссионерского стиля. Созданием «художественных» предметов - ламп из цветного стекла, декоративных предметов из металла, чаще всего применялась чеканка по меди, и керамических изделий, например, продукция фабрики «Роквуд Поттери» в Огайо заканчивается движение «Искусства и ремесла» в Соединенных Штатах. В это же время в Америку проникает новый стиль Ар Нуво. Смешение этих двух стилей - альтернатива образцам викторианской эпохи.

Ричардсон

Генри Хобсон Ричардсон (1838-1886) - первый американский архитектор, получивший международное признание. Ранние работы Ричардсона выполнены в исторических стилях - готическом, стиле Второй империи, в стиле шингл, «дощатом» или романском. Первое значительное сооружение - церковь Троицы в Бостоне (1877). Ричардсон использует мотивы романской архитектуры, но в целом здание очень оригинально. Красивые наружние стены сложены из грубо отесанного камня, внутри много витражей, некоторые довольно посредственные. В интерьере доминируют оштукатуренные своды из дерева с железными балками. Ричардсон хотел, по его словам, построить «цветную церковь», где все поверхности были бы покрыты фигуративными росписями Джона Ла Фаржа (1835-1910) в темно-красных и красно-коричневых тонах с вкраплениями сине-зеленого и золотого. Л а Фарж также оформил окна западного фасада. В творчестве Ричардсона постепенно намечается переход от историзма к модернизму, хотя великолепная каменная кладка и полуциркульные арки по-прежнему остаются главными элементами. Архитектура библиотек становится все более передовой. Самая известная из них - Библиотека Крейна в Квинси, штат Массачусетс, (1880-1882). Много места занимает двухэтажное книгохранилище, в центре которого находится читальный зал. Потолок, стеллажи, балконы и пол выполнены из дерева. Элегантный камин занимает центральное место на одной из торцевых стен. Дизайн столов, стульев и газовых светильников разработан Ричардсоном. Стулья, созданные Ричардсоном, простые, но элегантные, с напоминающими веретено элементами спинки.

Самое значительное творение Ричардсона - оптовый магазин Маршалл-Филд в Чикаго (1885-1887), к сожалению, было разрушено. Это было семиэтажное каменное здание со сводчатыми окнами. Внутри находились большие торговые залы и складские помещения. Здание приобрело известность благодаря простоте фасадов. Его можно рассматривать как предтечу стиля Луиса Салливана, который был одним из самых восторженных поклонников этого здания.

Братья Грин и Майбек

В Калифорнии братья Чарльз Самнер Грин (1868-1957) и Генри Мейзер Грин (1870-1954) создали направление в архитектуре, для которого характерен индивидуальный стиль, основанный на традициях ремесленного движения, «дощатом стиле» и «вернакулярных» домах-бунгало. Дома братьев Грин построены из дерева и имеют низкие покатые крыши. Интерьеры таких домов, как Блэкер-хаус (1907) и Гембл-хаус (1908) (сейчас музей) в Пасадене, характеризуют стиль братьев Грин и отличают его от других калифорнийских проектов этого же времени. Все деревянные детали выполнены очень аккуратно вручную в восточном стиле. Декор имеет очень сдержанный характер, просторные вестибюли и другие помещения украшают витражи, лампы в виде фонариков и подвесные осветительные приборы (теперь уже электрические), а также простая, но очень элегантная мебель, все сделано вручную. Доминируют красно-коричневые оттенки - красное дерево, тиковое, розовое, черное дерево и клен. Гладкие поверхности покрыты олифой. Для витражей и ковров использованы красный, синий и зеленый цвета.

Бернард Р. Майбек (1862-1957) проектировал дома в калифорнийском стиле, иногда называемом «западным дощатым стилем». Красивый интерьер созданной им «церкви Христианской науки» в Беркли (1910) включает в себя необычные деревянные детали, изготовленные ремесленным способом. Самое потрясающее творение Майбека, Дворец изящных искусств с великолепной центральной ротондой, построенный для проходившей в 1912 г. в Сан-Франциско Панамско-Тихоокеанской Всемирной выставки, олицетворяет собой переход от ремесленного стиля к историческим стилям, правда в оригинальной трактовке. Работы братьев Грин и Майбека заложили основу южно-калифорнийского «стиля бунгало», развитию которого на востоке способствовало ремесленное движение. Пригороды мегаполисов строились в «стиле бунгало».

В лучшем своем проявлении этот стиль предлагал разумную альтернативу викторианству. В худшем - превращался в клише, используемое застройщиками, чтобы придать привлекательность плохо спроектированным и построенным домам.

Новые стили в континентальной Европе

Движение «Искусства и ремесла» и развивавшееся параллельно с ним в Америке ремесленное направление не попали в Европу и скандинавские страны в том виде, в каком они существовали на родине. Конец XIX в. характеризуется очень сложным многообразием стилей. Стиль Ар Нуво, возникший в Бельгии и Франции, ознаменовал собой новый подход к дизайну.

Германия: Мутезиус

В Германии, хотя и не прослеживается прямых параллелей с английским викторианским стилем, английское движение «Искусства и ремесла» способствовало реформе в области дизайна, вдохновителем которой был Герман Мутезиус (1861-1927), которая окончилась неудачей. Будучи архитектором, работавшим для прусского правительства, в 1896 г. он был направлен в Лондон для изучения британской архитектуры. Мутезиус является автором целого ряда журнальных статей и книг, посвященных английскому движению «Искусства и ремесла» и других перекликающихся с ним течений. После возвращения в Германию он опубликовал книгу «Английский дом» в трех томах (1904-1905), рассказывающую о творчестве Шоу, Бейли Скота, Войси и других ярких представителей британской архитектуры и дизайна. Являясь государственным чиновником, Мутезиус способствовал развитию немецкого дизайна и был одним из создателей «Веркбунда» (Немецкого художественно-промышленного союза, «Deutscher Werkbund»), возникшего в 1907 г. Целью союза было высокое качество строительства и дизайна. Веркбунд оказал значительное влияние на развитие новых стилей в Германии и стал связующим звеном между английской архитектурой и дизайном XIX в. и новыми европейскими стилями XX в.

Нидерланды: Берлаге

В Нидерландах альтернатива викторианской чрезмерности представлена творчеством Хендрика Петрюса Берлаге (1856-1934), архитектора, наибольшую известность которому принесло массивное здание Амстердамской биржи (1898-1903). Здание построено из клинкерного кирпича. Симметричность фасада нарушает великолепная башня. Арочные проемы и простые кирпичные стены напоминают поздние работы Ричардсона - никаких попыток воссоздания исторических форм, декор носит очень сдержанный характер. Внутри находится большой зал с балконами на уровне второго этажа с кирпичными аркадами. Железные фермы на крепежных болтах поддерживают стеклянную кровлю, через которую в помещение проникает дневной свет. В дальнейшем Берлаге занимался в основном проблемами градостроительства в Амстердаме, но это здание снискало ему репутацию одного из выдающихся представителей прогрессивно настроенной творческой элиты, чьи попытки реорганизации стиля привели, в конце концов, к модернизму.

 

Если бы история дизайна развивалась по четкому логичному сценарию, движение «Искусства и ремесла» и развивавшийся параллельно континентальный стиль Ар Нуво должны были объединиться и создать стиль XX столетия. Однако возникла новая волна интереса к историзму. Потребовался еще один виток реформ, чтобы эклектика отступила и открыла дорогу модернизму.

artishock.org

Эстетизм — Википедия (с комментариями)

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

Эстети́ческое движе́ние, или эстети́зм (англ. Aestheticism, Aesthetic movement) — это европейское движение в литературе, изобразительном и декоративном искусствах [1][2], а также интерьерном дизайне в XIX веке, которое подчёркивало преобладание эстетических ценностей над этическими и над социальными проблемами. В сущности, эстетизм выражает тенденции европейского декаданса, поэтому он рассматривается как ответвление этого явления в Англии. Корни эстетизма уходят в романтизм, сам же он явился реакцией на викторианскую эпоху, тем самым предвосхищая модернизм. Распространён был во второй половине XIX века, примерно в 1868—1901 годах, и принято считать, что его угасание связано с судебным процессом Оскара Уайльда (1895).

Эстетизм в литературе

На писателей-декадентов в Англии очень сильное влияние оказал преподаватель Оксфордского университета Уолтер Пейтер (Патер) и его работы, опубликованные в 1867—1868 годах, в которых он утверждал, что жизнь нужно проживать, неумолимо следуя идеалу красоты. Его книга «Очерки по истории Ренессанса» (1873; Studies in the History of the Renaissance) стала настольной для очарованных искусством молодых людей викторианской эпохи. Писатели-декаденты подняли на щит лозунг «искусство ради искусства» (фр. l’art pour l’art), происхождение которого до сих пор не выяснено. Некоторые полагают, что его придумал французский философ Виктор Кузен (1792—1867; Victor Cousin). Но исследователь Анжела Лейтон (Angela Leighton) в труде «О форме: поэзия, эстетизм и словесное наследие» (2007; On Form: Poetry, Aestheticism and the Legacy of a Word) отмечает, что это словосочетание ещё в 1804 г. употребил Бенжамен Констан[3]. Не вызывает сомнений, что во Франции Теофиль Готье использовал эту фразу для обоснования того, что искусство и мораль никак не связаны.

Художники и писатели эстетического движения считали, что искусства должны доставлять нам изысканное чувственное удовольствие, а вовсе не передавать нравоучительные или сентиментальные послания. В результате они не приняли утилитарных идей Джона Рёскина и Мэтью Арнольда, рассматривающих искусство как что-то поучительное или полезное. Напротив, они полагали, что у искусства нет никакой дидактической цели, что единственное к нему требование — это быть прекрасным. Эстеты развили культ красоты, которую они считали основным фактором в искусстве. Они провозгласили, что Жизнь должна копировать Искусство. Природа в сравнении с искусством казалась им грубым материалом, и её дизайн был далеко не совершенен. Главными чертами движения были внушение (в отличие от утверждения), чувственность, обильное использование символов, использование синестетических эффектов (то есть соответствий между словами, цветами и музыкой).

У эстетизма есть свои предшественникиК:Википедия:Статьи без источников (тип: не указан)[источник не указан 2085 дней] — это английские поэты-романтики Джон Китс (1795—1821) и Перси Биши Шелли (1792—1822), а также поэты из «Прерафаэлитского братства». В Великобритании наиболее яркимиК:Википедия:Статьи без источников (тип: не указан)[источник не указан 2085 дней] представителями эстетического движения были Оскар Уайльд и Алджернон Чарльз Суинберн, а также Джеймс Макнил Уистлер и Данте Габриэль Россетти. Само же движение и его приверженцы стали объектами сатиры в комической опере «Пейшенс» Уильяма Гилберта и Артура Салливана, а также в других работах, например, фарсе Фрэнсиса Каули Бернарда «Полковник» (The Colonel) и в комических журналах (например, «Панч» (Punch)).

Эстетизм в изобразительном искусстве

К художникам, имеющим отношение к эстетическому движению, относятся Джеймс Макнил Уистлер, Данте Габриэль Россетти, Эдвард Бёрн-Джонс и Обри Винсент Бёрдслей.К:Википедия:Статьи без источников (тип: не указан)[источник не указан 2085 дней]

Источники

  1. ↑ Fargis Paul. The New York Public Library Desk Reference - 3rd Edition. — Macmillan General Reference, 1998. — P. 261. — ISBN 0-02-862169-7.
  2. ↑ Denney, Colleen. [books.google.com/books?id=RvTZrnmy5RoC&pg=PA38&lpg=PA38&dq=%22Aesthetic+movement%22+swinburne&source=bl&ots=fQGt-5h4y4&sig=Ir3QCh39f7c926rkx620LbcB5fs&hl=en&ei=7kjKSuy9BNDdlAebobGSAw&sa=X&oi=book_result&ct=result&resnum=1#v=onepage&q=%22Aesthetic%20movement%22%20swinburne&f=false "At the Temple of Art: the Grosvenor Gallery, 1877-1890"], Issue 1165, p. 38, Fairleigh Dickinson University Press, 2000 ISBN 0-8386-3850-3
  3. ↑ Angela Leighton (2007) 32.

Напишите отзыв о статье "Эстетизм"

Отрывок, характеризующий Эстетизм

– Ежели бы не было Багратиона, il faudrait l'inventer, [надо бы изобрести его.] – сказал шутник Шиншин, пародируя слова Вольтера. Про Кутузова никто не говорил, и некоторые шопотом бранили его, называя придворною вертушкой и старым сатиром. По всей Москве повторялись слова князя Долгорукова: «лепя, лепя и облепишься», утешавшегося в нашем поражении воспоминанием прежних побед, и повторялись слова Ростопчина про то, что французских солдат надо возбуждать к сражениям высокопарными фразами, что с Немцами надо логически рассуждать, убеждая их, что опаснее бежать, чем итти вперед; но что русских солдат надо только удерживать и просить: потише! Со всex сторон слышны были новые и новые рассказы об отдельных примерах мужества, оказанных нашими солдатами и офицерами при Аустерлице. Тот спас знамя, тот убил 5 ть французов, тот один заряжал 5 ть пушек. Говорили и про Берга, кто его не знал, что он, раненый в правую руку, взял шпагу в левую и пошел вперед. Про Болконского ничего не говорили, и только близко знавшие его жалели, что он рано умер, оставив беременную жену и чудака отца.

3 го марта во всех комнатах Английского клуба стоял стон разговаривающих голосов и, как пчелы на весеннем пролете, сновали взад и вперед, сидели, стояли, сходились и расходились, в мундирах, фраках и еще кое кто в пудре и кафтанах, члены и гости клуба. Пудренные, в чулках и башмаках ливрейные лакеи стояли у каждой двери и напряженно старались уловить каждое движение гостей и членов клуба, чтобы предложить свои услуги. Большинство присутствовавших были старые, почтенные люди с широкими, самоуверенными лицами, толстыми пальцами, твердыми движениями и голосами. Этого рода гости и члены сидели по известным, привычным местам и сходились в известных, привычных кружках. Малая часть присутствовавших состояла из случайных гостей – преимущественно молодежи, в числе которой были Денисов, Ростов и Долохов, который был опять семеновским офицером. На лицах молодежи, особенно военной, было выражение того чувства презрительной почтительности к старикам, которое как будто говорит старому поколению: уважать и почитать вас мы готовы, но помните, что всё таки за нами будущность. Несвицкий был тут же, как старый член клуба. Пьер, по приказанию жены отпустивший волоса, снявший очки и одетый по модному, но с грустным и унылым видом, ходил по залам. Его, как и везде, окружала атмосфера людей, преклонявшихся перед его богатством, и он с привычкой царствования и рассеянной презрительностью обращался с ними. По годам он бы должен был быть с молодыми, по богатству и связям он был членом кружков старых, почтенных гостей, и потому он переходил от одного кружка к другому. Старики из самых значительных составляли центр кружков, к которым почтительно приближались даже незнакомые, чтобы послушать известных людей. Большие кружки составлялись около графа Ростопчина, Валуева и Нарышкина. Ростопчин рассказывал про то, как русские были смяты бежавшими австрийцами и должны были штыком прокладывать себе дорогу сквозь беглецов. Валуев конфиденциально рассказывал, что Уваров был прислан из Петербурга, для того чтобы узнать мнение москвичей об Аустерлице. В третьем кружке Нарышкин говорил о заседании австрийского военного совета, в котором Суворов закричал петухом в ответ на глупость австрийских генералов. Шиншин, стоявший тут же, хотел пошутить, сказав, что Кутузов, видно, и этому нетрудному искусству – кричать по петушиному – не мог выучиться у Суворова; но старички строго посмотрели на шутника, давая ему тем чувствовать, что здесь и в нынешний день так неприлично было говорить про Кутузова. Граф Илья Андреич Ростов, озабоченно, торопливо похаживал в своих мягких сапогах из столовой в гостиную, поспешно и совершенно одинаково здороваясь с важными и неважными лицами, которых он всех знал, и изредка отыскивая глазами своего стройного молодца сына, радостно останавливал на нем свой взгляд и подмигивал ему. Молодой Ростов стоял у окна с Долоховым, с которым он недавно познакомился, и знакомством которого он дорожил. Старый граф подошел к ним и пожал руку Долохову. – Ко мне милости прошу, вот ты с моим молодцом знаком… вместе там, вместе геройствовали… A! Василий Игнатьич… здорово старый, – обратился он к проходившему старичку, но не успел еще договорить приветствия, как всё зашевелилось, и прибежавший лакей, с испуганным лицом, доложил: пожаловали!

wiki-org.ru

Эстетизм как направление в искусстве

Эстетизм — это европейское движение в литературе и изобразительном искусстве, которое подчёркивает преобладание эстетических ценностей над этическими.

Художники — эстеты считали невозможным продолжать работать в соответствии с классическими традициями и образцами; единственным возможным выходом, по их мнению, был творческий поиск за рамками традиций.

Albert Joseph Moore, Red Berries…

Квинтэссенцией идей эстетов является то, что искусство существует для искусства и не должно иметь целью морализаторство, возвеличивание или что-либо другое. Живопись должна быть эстетически прекрасной, но бессюжетной, не отражающей социальных, этических и других проблем.

У истоков эстетизма стояли художники, изначально являвшиеся сторонниками Джона Рескина, входившие в Братство прерафаэлитов, которые к началу 1860-х отказались от морализаторских идей Рескина. Среди них — Данте Габриэль Россетти и Альберт Мур.

Данте Габриэль Россетти Священные лилии 1874 г.

Наиболее известным художникам стиля эстетизм, явился Джеймс Уистлер. Он глубоко проникается идеями эстетов и их теорией искусства для искусства. К исковому заявлению, поданному на Джона Рескина в 1877 году, Уистлер приложил манифест художников-эстетов.

Большинство своих картин Уистлер не подписывал, а рисовал вместо подписи бабочку, органично вплетая её в композицию, — Уистлер делал это не только в период увлечения эстетизмом, но и в продолжение всего творчества. Также, одним из первых художников он начал расписывать рамы, делая их частью картин. На картине «Ноктюрн в синем и золотом: старый мост в Баттерси» он разместил «фирменную» бабочку в узоре на раме картины.

Эстетизм очень схож с импрессионизмом. И тот и другой возникают приблизительно в одно и то же время — в 1860—1870-х; эстетизм возникает в Англии, импрессионизм — во Франции. И тот и другой — попытка отойти в живописи от академизма и классических образцов, и в том и в другом важно впечатление. Отличие их в том, что эстетизм трансформировал впечатление в субъективное переживание, отображая субъективное видение эстетического образа художником, а импрессионизм трансформировал впечатление в отражение сиюминутной красоты объективного мира.

текст – http://design-kmv.ru/

Edward Burne-Jones 1833-1898 England Laus Veneris. 1869

Одна из немногих резиденций в  Манхэттене (Ист-Сайд), где до сих пор используется газовый свет. Владельцы остались верны эпохе 1880 – х.

там же

Впрочем, интерьеры того времени достойны отдельного поста. 

Эстетизм как творческий метод

Английские неоромантики разделились на два лагеря – на моралистов и эстетов. Конечно, это несколько упрощенное деление, но мы хотим выявить наиболее существенные тенденции, присущие философии неоромантиков (или ‘последних романтиков’, или ‘разочарованных романтиков’ как их еще называют).

У англичан наиболее полно морализм предстал в эстетике Джона Рескина, а эстетизм – у Оскара Уайльда. Их концепции зародились и существовали во второй половине прошлого столетия. Своего акмэ они достигли в конце того же столетия. Неоромантизм сосуществовал с такими философскими течениями как позитивизм, марксизм, неокантианство, неогегельянство, и это самое ‘нео’ весьма характерно для эпохи, в которой зарождались новые концепции и переосмысливались старые. В культуре рассматриваемого периода происходила переоценка ценностей.

Мы очень многим обязаны XIX веку. Во второй его половине складываются образы и идеи, которые входят в культуру ХХ столетия как наша классика. Поэтому изучение культуры конца XIX века остается вполне актуальной задачей.

Актуальности прибавляет и то, что мы с вами живем тоже в конце века, да еще и в конце тысячелетия. Опять на грани; и совпадений множество. Главное же – недовольство наличным миром и ожидание грядущих катастроф. О других сходных чертах будет сказано подробней в соответствующих частях работы.

О том, на какую философию опирались прерафаэлиты, символисты, декаденты и прочие неоромантики, в нашей исследовательской литературе почти ничего не сказано; да и зарубежных исследований на эту тему очень мало. Попытаемся хотя бы отчасти заполнить пробел. Время настало, пора.

Неоромантикам было присуще сильное стремление эстетизировать жизнь, соединить ее с искусством. В этой области они достигли интересных результатов, которые легли в основании теории и практики современного дизайна. Никто из них не был строгим теоретиком искусства и не создавал философско-эстетических теорий, законченных и стройных. Почти все они в большей мере были художниками (писателями, поэтами), чем мыслителями-систематизаторами и это тоже характерная черта эпохи. Но как справедливо утверждает М.Ф. Овсянников: ‘Не всегда эстетическая мысль бывает выражена в адекватной теоретической форме. Она может быть закодирована в различных формах: может найти выражение в принципах творчества, в искусствоведческих и литературоведческих концепциях’

Как мы уже отмечали, неоромантики в большинстве своем не создали последовательных эстетических теорий. В связи с этим возникают некоторые сложности при выяснении и систематизации их эстетических представлений. Эти представления чаще всего приходится вычленять из их различных художественных и критических произведений и приводить в некое гармонизированное целое. Сделать это не очень просто, однако, и ничего невозможного тут нет.

Выяснив общефилософские позиции того или иного размышляющего художника, из них можно вполне непротиворечиво вывести и увязать его идеи по другим эстетическим проблемам и вопросам. По крайней мере, общая тенденция эстетических исканий, на наш взгляд, вполне выясняема.

Романтизм, как и многие другие направления в художественной культуре конца XVIII и XIX века, возникает в связи с разрывом художника с идеалами и главенствующими ценностями общества. Эсткапистские тенденции, происходящие из этого разрыва, особенно четко проявились в теории и практике эстетизма. Изучение эстетизма важно для исторической науки и не только для нее одной, во-первых, потому, что сам термин ‘эстетизм’ употребляется чаще всего крайне нестрого, хотя употребляется он весьма широко. Что же именно собой представляет эстетизм, кто такой эстет, чего он хочет, какова его программа? Во-вторых, несмотря на то, что самая яркая форма эстетизма – английский эстетизм, как конкретно историческое явление, принадлежит прошлому веку (Оскар Уайльд умер в 1900 году), многие теоретические положения, которые в нем были впервые разработаны, продолжают активно действовать и в наше время.

Известный отечественный историк зарубежной философии П.П. Гайденко указывает на то, что в романтизме начала XIX века уже закладываются основы эстетизма, бурно расцветшего в конце прошлого столетия и начале нашего. Другой исследователь романтизма А.С. Дмитриев тоже отметил, что ‘самые значительные теоретики романтизма – романтики йенские вообще стремились отрицать всякую социальную значимость искусства’. Отрыв же искусства от социальных проблем достиг своего полного завершения именно у эстетов, а затем у модернистов, и связь эстетизма со многими идеями романтиков представляется нам очевидной. Да и сами эстеты частенько именовали себя романтиками.

Концепция ‘искусства для искусства’ – вершина эстетизма прошлого столетия, она зарождается во Франции в трудах Теофиля Готье, но наибольшую силу идея ‘чистого искусства’ обрела в викторианской Британии благодаря усилиям Пейтера и Уайльда, своего наиболее яркого изобразительного воплощения она достигла в рисунках Обри Бердсли.

Важную роль в становлении английского эстетизма, вовсе того не желая, сыграли Томас Карлейль и Джон Рескин. Их критика капитализма возымела сильное влияние на молодых эстетов. Рескин бичует капитализм с позиций искусства, так сказать, в его интересах, затем он решает, что искусство и общественная жизнь неразделимы. Эстеты же воспринимают только первую половину рескиновской критики и отрывают искусство от общества, утверждая полную самостоятельность и самодостаточность искусства.

В общем, основу неоромантической эстетики можно определить, как отстаивание самоценности искусства в его борьбе с вульгарностью и серостью. Искусство должно быть прекрасно и должно служить человеку. У моралистов оно служит человеку общественному, то есть каждому в равной мере, у эстетов оно служит только личности, достойной этого служения. И у моралистов и у эстетов искусство невозможно без мощной фантазии и воображения.

‘Dreamers’ Albert Joseph Moore, 1882

Вслед за романтиками неоромантики часто сравнивают изобразительное искусство и литературу с музыкой, видя в последней совершенство. Джон Рескин, создатель моралистической, нормативной и дидактической эстетики, в своей основе противоречащей эстетизму, для которого музыкальность была крайне характерна; даже он как истый неоромантик заявляет: ‘На картину можно смотреть, как на неподвижное музыкальное произведение; части ее – отдельные мелодии симфонии, маленькие кусочки краски и точки в рисунке – пассажи и такты мелодии: если можно пропустить малейшую черту – значит эта нота и черта зловредны.

http://www.litexplorer.ru/

blog.arthistoryonline.ru

Движение Эстетизма \ Aesthetic Movement

Слегка сокращенная статья из "Словаря искусств" под ред. Джейн ТернерЛинли Самбурн, Карикатура на Оскара Уайльда, журнал "Панч", том 80, 1881 годO, I feel just as happy as a bright sunflower!Aesthete of Aesthetes!What's in a name?The poet is WILDE,But his poetry's tame.

Движение Эстетизма - термин, описывающий движение 1870х и 1880х гг., проявившееся в изобразительном и декоративно-прикладном искусстве и архитектуре Великобритании и позднее США. Являясь реакцией на то, что казалось ханжеским в искусстве и дизайне, Движение характеризовалось культом прекрасного и подчеркиванием чистого удовольствия, которое оно доставляет. В живописи существовало представление об автономности искусства, а также концепция «искусства ради искусства», зародившаяся во Франции в литературе и привезенная в Британию в 1860 е гг.

Движение Эстетизма защищали писатели и критики Уолтер Патер, Алжернон Чарльз Суинберн и Оскар Уайльд. Придерживаясь теории Патера, художники, связанные с Движением, писали бессюжетные или же лишенные значимого сюжета картины. Данте Габриэль Россетти черпал вдохновение в венецианском искусстве из-за его акцента на цвет и декоративные качества картины. Результатом его поисков стали несколько поясных изображений женских фигур, таких, как «Голубой Будуар» (1865, Институт Изящных искусств Барбера).

Д.Г. Россетти "Голубой будуар"

Ближе всего к идеям Движения Эстетизма подошел Джеймс Мак-Нейл Уистлер. В таких картинах, как «Ноктюрн в голубом и золотом, Старый мост Баттерси» (1872-5, Лондон, галерея Тейт) он не старался достичь топографической точности: верность природе не была целью Движения Эстетизма. На знаменитом судебном процессе между Джоном Рескином и Уистлером в 1878 году Уистлер сказал о своей работе так: «Моим намерением было просто изображение лунного света. Мой замысел заключался в том, чтобы создать определенную цветовую гармонию".

Д. Уистлер «Ноктюрн в голубом и золотом, Старый мост Баттерси»

Альберт Джозеф Мур использовал формализованные классицистические декорации для изображения томных женских фигур, которые обольщают зрителя гармонией цвета и формы, как и своей эротичностью (например, «Венера» (Йорк, Городская Галерея)). А.Д. Мур "Венера"

Нейтральные названия картин призваны отвлечь зрителя от содержания и предотвратить «чтение» картины. Фредерик Лейтон еще сильнее опирался на классическое прошлое, и часто выбирал мифологических персонажей («Купание Психеи», 1890, Лондон, галерея Тейт).

Ф. Лейтон "Купание Психеи"

Формальная композиция «Ноктюрна в голубом и золоте» Уистлера заимствована из японского искусства….которое оказало сильное влияние как на дизайнеров, так и на художников.

Мебель У. Годвина, например, проста и элегантна – прочность, уравновешенная изяществом - и иногда украшена декоративной росписью. Он предпочитал красное дерево, покрашенное под эбеновое; так, он использовал его для собственного буфета в 1867 году ( Музей Виктории и Альберта), вместе с вкладными панелями из японских обоев из тисненой кожи.

У. Годвин буфет ( 1867 год, музей Виктории и Альберта)

В своем лондонском доме он украсил потолок и плинтусы узорами из вееров и японских ваз. Подобные предметы ввозила и продавала в Лондоне компания «Либерти и Ко»; они стали характерной чертой модных «эстетических» интерьеров 1870х и 1880х гг.В 1876 году Фредерик Лейланд заказал Томасу Джекиллу оформить столовую своего дома на 49 Принцесс Гейт в Лондоне, в которой должна была разместиться коллекция фарфора и работа Уистлера «Принцесса из страны фарфора» (1863-4).

Д. Уистлер "Павлинья комната"

Д. Уистлер «Принцесса из страны фарфора»

Стены под изысканными перегородками Джекилла были покрыты испанской кожей, которую Уистлер расписал золотом по голубому фону мотивами павлиньего глаза и павлиньих перьев в 1877 году; напротив своей картины, висящей над камином, он изобразил двух павлинов с роскошным оперением. В камине стоит пара кованых железных fire-dogs, которые Джекилл сделал в виде подсолнухов с павлинами. Подсолнух был характерным мотивом Движения Эстетизма, появляясь на изразцах Уильяма де Моргана, вышивках К. Эшби, мебельном ситце и обоях Брюса Талберта и на расписанном фасаде часов (1880, Лондон, музей Виктории и Альберта), созданных, возможно, по эскизу Льюиса Формана Дэя. Часы, предположительно по эскизу Л.Ф. Дэя(1880, Лондон, музей Виктории и Альберта)

Уильям де Морган, керамическая плитка

Общей чертой для «художественной» мебели, керамики, художественной ковки и тканей «Движения Эстетизма» и Стиля Королевы Анны в архитектуре, столь любимого Годвином и Ричардом Норманом Шоу, стало стремление их создателей ( проявляющееся в изощренности проектов) поднять статус своих произведений до статуса произведений изобразительного искусства. Они создавали «художественные» предметы интерьера и здания. Они одновременно реформировали и формировали вкус – что было важной заботой Уильяма Морриса, взгляды которого хотя и расходились с философией Движения Эстетизма, но помогли распространить ее влияние на США. К 1870 году обои Морриса продавались в Бостоне, а двумя годами позже книга Чарльза Лока Истлейка “Hints on Household Taste” вышла в американском издании.<....> C.L. Eastlake "Hints on Household Taste"

Статья взята из издания:

"Aesthetic Movement"/The Dictionary of Art, ed. by Jane Turner,in 34 volumes, 1996, vol.1, p. 170-171

Применительно к английскому декоративно-прикладному искусству говорят о стиле "эстетизм". Об этом подробнее - на сайте V&A:

http://www.vam.ac.uk/vastatic/microsites/british_galleries/bg_styles/Style08a/homepage.html

В живописи это явление только сейчас начало изучаться. В сентябре этого года в Йельском университете вышла книга Prettejohn E. Art for Art's Sake: Aestheticism in Victorian Painting

http://www.amazon.co.uk/Art-Arts-Sake-Aestheticism-Victorian/dp/0300135491

english-art.livejournal.com

"Эстетическое движение". - По невозможному тоска.

"Эстетическое движение" - европейское движение в литературе, изобразительном и декоративном искусствах , а также интерьерном дизайне в XIX веке, которое подчёркивало преобладание эстетических ценностей над этическими и над социальными проблемами. В сущности, эстетизм выражает тенденции европейского декаданса, поэтому он рассматривается как ответвление этого явления в Англии. Корни эстетизма уходят в романтизм, сам же он явился реакцией на Викторианскую эпоху, тем самым предвосхищая модерн.  Распространён был во второй половине  XIX века, примерно в 1868 —1901 годах, и принято считать, что его угасание связано с судебным процессом Оскара Уайльда.

                                                            Интерьеры "Эстетического движения"

 Холман Хант  «Проснувшаяся стыдливость»

Theodor Baierl  "Тhe model"

      

   

 

eleonorar.livejournal.com

Эстетизм. Эстетическое движение стиль в живописи.

Эстетизм — это европейское движение в литературе и изобразительном искусстве, которое подчёркивает преобладание эстетических ценностей над этическими.

Художники – эстеты считали невозможным продолжать работать в соответствии с классическими традициями и образцами; единственным возможным выходом, по их мнению, был творческий поиск за рамками традиций.

Квинтэссенцией идей эстетов является то, что искусство существует для искусства и не должно иметь целью морализаторство, возвеличивание или что-либо другое. Живопись должна быть эстетически прекрасной, но бессюжетной, не отражающей социальных, этических и других проблем.

У истоков эстетизма стояли художники, изначально являвшиеся сторонниками Джона Рескина, входившие в Братство прерафаэлитов, которые к началу 1860-х отказались от морализаторских идей Рескина. Среди них – Данте Габриэль Россетти и Альберт Мур.

Наиболее изветсным художникам стиля эстетизм, явился Джеймс Уистлер. Он глубоко проникается идеями эстетов и их теорией искусства для искусства. К исковому заявлению, поданному на Джона Рескина в 1877 году, Уистлер приложил манифест художников-эстетов.Большинство своих картин Уистлер не подписывал, а рисовал вместо подписи бабочку, органично вплетая её в композицию, — Уистлер делал это не только в период увлечения эстетизмом, но и в продолжение всего творчества. Также, одним из первых художников он начал расписывать рамы, делая их частью картин. На картине «Ноктюрн в синем и золотом: старый мост в Баттерси» он разместил “фирменную” бабочку в узоре на раме картины.

Эстетизм очень схож с импрессионизмом. И тот и другой возникают приблизительно в одно и то же время – в 1860—1870-х; эстетизм возникает в Англии, импрессионизм – во Франции. И тот и другой – попытка отойти в живописи от академизма и классических образцов, и в том и в другом важно впечатление. Отличие их в том, что эстетизм трансформировал впечатление в субъективное переживание, отображая субъективное видение эстетического образа художником, а импрессионизм трансформировал впечатление в отражение сиюминутной красоты объективного мира.

Источник: http://www.2queens.ru/

Похожие записи

design-kmv.ru

Эстетизм

ПланВведение 1 Эстетизм в литературе 2 Эстетизм в изобразительном искусстве 3 Современный эстетизм в России 4 Эстетизм в декоративном искусстве

Введение

Эстети́ческое движе́ние, или эстети́зм (англ. Aestheticism , Aesthetic movement ) — это европейское движение в литературе, изобразительном и декоративном искусствах, а также интерьерном дизайне в XIX веке, которое подчёркивало преобладание эстетических ценностей над этическими и над социальными проблемами. В сущности, эстетизм выражает тенденции европейского декаданса, поэтому он рассматривается как ответвление этого явления в Англии. Корни эстетизма уходят в романтизм, сам же он явился реакцией на викторианскую эпоху, тем самым предвосхищая модернизм. Распространён был во второй половине XIX века, примерно в 1868—1901 годах, и принято считать, что его угасание связано с судебным процессом Оскара Уайльда (1895).

1. Эстетизм в литературе

На писателей-декадентов в Англии очень сильное влияние оказал преподаватель Оксфордского университета Уолтер Пейтер (Патер) и его работы, опубликованные в 1867—1868 годах, в которых он утверждал, что жизнь нужно проживать, неумолимо следуя идеалу красоты. Его книга «Очерки по истории Ренессанса» (1873; Studies in the History of the Renaissance ) стала настольной для очарованных искусством молодых людей викторианской эпохи. Писатели-декаденты подняли на щит лозунг «искусство ради искусства» (фр. l’art pour l’art ), происхождение которого до сих пор не выяснено. Некоторые полагают, что его придумал французский философ Виктор Кузен (1792—1867; Victor Cousin ). Но исследователь Анжела Лейтон (Angela Leighton ) в труде «О форме: поэзия, эстетизм и словесное наследие» (2007; On Form: Poetry, Aestheticism and the Legacy of a Word ) отмечает, что это словосочетание ещё в 1804 г. употребил Бенжамен Констан. Не вызывает сомнений, что во Франции Теофиль Готье использовал эту фразу для обоснования того, что искусство и мораль никак не связаны.

Художники и писатели эстетического движения считали, что искусства должны доставлять нам изысканное чувственное удовольствие, а вовсе не передавать нравоучительные или сентиментальные послания. В результате они не приняли утилитарных идей Джона Рёскина и Мэтью Арнольда, рассматривающих искусство как что-то поучительное или полезное. Напротив, они полагали, что у искусства нет никакой дидактической цели, что единственное к нему требование — это быть прекрасным. Эстеты развили культ красоты, которую они считали основным фактором в искусстве. Они провозгласили, что Жизнь должна копировать Искусство. Природа в сравнении с искусством казалась им грубым материалом, и её дизайн был далеко не совершенен. Главными чертами движения были внушение (в отличие от утверждения), чувственность, обильное использование символов, использование синестетических эффектов (то есть соответствий между словами, цветами и музыкой).

У эстетизма есть свои предшественники — это английские поэты-романтики Джон Китс (1895—1821) и Перси Биши Шелли (1792—1822), а также поэты из «Прерафаэлитского братства». В Великобритании лучшими представителями эстетического движения были Оскар Уайльд и Алджернон Чарльз Суинберн, а также Джеймс Макнил Уистлер и Данте Габриэль Россетти. Само же движение и его приверженцы стали объектами сатиры в комической опере Уильяма Гилберта и Артура Салливана «Терпение» (Patience ), в других работах, например, фарсе Фрэнсиса Каули Бернарда «Полковник» (The Colonel ) и в комических журналах (например, «Панч» (Punch )).

2. Эстетизм в изобразительном искусстве

К художникам, имеющим отношение к эстетическому движению, относятся Джеймс Макнил Уистлер, Данте Габриэль Россетти, Эдвард Бёрн-Джонс и Обри Винсент Бёрдслей.

3. Современный эстетизм в России

Художественное сообщество "Бархатное подполье", проводящее в Москве с 2005 года регулярные одноименные фестивали.

4. Эстетизм в декоративном искусстве

Источник: http://ru.wikipedia.org/wiki/Эстетизм

mirznanii.com